Yoshitomo Nara e o lado negro da “fofura” japonesa

Como o artista “mais famoso” do Japão e outros estão subvertendo a estética fofa “kawaii” do país para questionar o mundo em que vivemos.

Mais de um milênio atrás, a imperatriz japonesa Fujiwara no Teishi presenteou uma de suas damas da corte, Sei Shōnagon, com um maço de papel fino. Sei, que era de uma família literária, usou as páginas para anotar observações de sua vida diária em uma coleção agora conhecida como The Pillow Book (1002). Em uma seção, Sei escreveu uma lista de coisas “adoráveis” ou “utsukushi”, desde pardais bebês “pulando” até uma criança “agarrada a alguém que a pegou” até simplesmente “qualquer coisa pequena”.

Embora hoje o livro seja visto como uma janela para a nobreza japonesa durante o Período Heian (794-1185 d.C.), a ideia de Sei sobre o que é utsukushi ainda ressoa com as pessoas hoje e é vista como um dos primeiros exemplos da cultura japonesa “kawaii”, embora o termo “kawaii”, que se traduz em “fofura”, não fizesse parte do léxico do país na época. “Todos os itens da lista são coisas que acharíamos fofas hoje, o que é notável porque a sociedade era realmente diferente há 1.000 anos no Japão”, diz o professor Joshua Paul Dale, de Tóquio, especialista em estudos fofos na Universidade Chuo. “Acaba sendo uma documentação significativamente completa de uma estética fofa que existia antes mesmo da palavra fofa.”

O kawaii, como o conhecemos hoje, começou no Japão por volta dos anos 1970 e desde então se tornou um fenômeno mundialmente conhecido, reconhecido globalmente por sua estética colorida e infantil encontrada na moda, arte (especialmente mangás) e recordações cotidianas. Mas, conforme a tendência se expandiu, uma onda de artistas contemporâneos no país usou aspectos da fofura para criar pinturas que sondam várias facetas da sociedade ou lidam com traumas pessoais, nacionais ou globais. “Há uma gama de categorias hibridizadas que experimentam e interrompem a estética fofa”, diz a Dra. Megan Catherine Rose, socióloga cultural da Universidade de New South Wales em Syndey, mencionando que essas obras de arte emocionalmente complexas geralmente reúnem “expressões aparentemente díspares para dar voz às dissonâncias que emergem na vida cotidiana”.

Um dos exemplos mais comuns dessas pinturas é Knife Behind Back (2000), do pintor japonês Yoshitomo Nara, que foi vendido por pouco menos de US$ 25 milhões na Sotheby’s em Hong Kong em 2019. Nara foi descrita como “indiscutivelmente, a mais famosa artista japonesa contemporânea viva”. A pintura retrata um dos retratos mais identificáveis ​​de Nara, uma menina pequena, de olhos grandes, com cabelo castanho curto, em um vestido vermelho e ostentando uma carranca quase ameaçadora. A peça faz parte de uma extensa coleção de trabalhos semelhantes que Nara fez ao longo de várias décadas. “A ‘menina’ Nara é uma figura contrária”, escreve o historiador de arte Yeewan Koon na monografia de 2020, observando que Nara criou “um bando de figuras cabeçudas que se comportam de maneiras que se desviam dos ideais convencionais de fofura com sua agressividade, irreverência e sagacidade”.

Segundo Nara, embora isso não seja aparente apenas pela observação de seu trabalho, ele é continuamente influenciado por “coisas que não têm nada a ver com a arte”, ele disse à BBC no dia da abertura de sua retrospectiva Yoshitomo Nara, em exibição na o Guggenheim Bilbao, na Espanha, até novembro. Em vez disso, Nara encontra inspiração em seus empreendimentos “como visitar campos de refugiados sírios ou ir ao Afeganistão”, ele diz, explicando que nos anos 90, ele fez cerca de 120 pinturas por ano, usando sua prática para articular as emoções que ele luta para colocar em palavras. “Comecei lembrando dos sentimentos e emoções da minha infância, mas gradualmente, comecei a olhar mais longe, aprendendo sobre a sociedade e viajando para vários lugares.”

Embora Nara diga que suas experiências de crescimento foram positivas, seu trabalho foi muito inspirado pelo isolamento que ele sentiu ao nascer logo após a Segunda Guerra Mundial em Hirosaki, uma cidade rural a mais de 400 milhas da capital do país, perto de uma base da Força Aérea dos EUA. Seus dois irmãos eram sete e nove anos mais velhos que ele e, de acordo com Koon, devido às “rápidas mudanças socioeconômicas” na época no Japão, seus pais trabalhavam em empregos exigentes, então Nara frequentemente ficava sozinho em casa. “Crescer como uma criança do pós-guerra nas margens geográficas de Honshū, a ilha principal do Japão, moldou seu senso de identidade”, explica Koon, observando que Nara particularmente “se conecta com aqueles que são ou foram deslocados para regiões de fronteira”. Dale acrescenta: “Artistas amam o complexo. Eles geralmente não querem estimular emoções simples nas pessoas. Então [Nara] peguei o kawaii que estava flutuando por todo o Japão e adicionei outros [emotions] nele.”

A arte moldada pela experiência do pós-guerra também foi associada ao movimento Superflat no Japão, um termo cunhado pelo renomado artista Takashi Murakami no final dos anos 90. Murakami usou Superflat para descrever uma onda de artistas que fundiam arte erudita e popular, particularmente obras que incorporavam motivos inspirados em kawaii e mangás, prevalentes no Japão do pós-guerra. “A Segunda Guerra Mundial sempre foi meu tema – eu sempre pensava em como a cultura se reinventou depois da guerra”, disse Murakami o New York Times em 2014. Tan Tan Bo de Murakami – Em Comunicação (2014) apresenta duas versões de aparência sinistra do personagem de assinatura do artista, Sr. Dob, um personagem inspirado no Mickey Mouse com dentes afiados. Na obra Tan Tan Bo, o personagem sofreu mutação quase que inteiramente em duas criaturas do tipo monstruoso com olhos bêbados e dentes escuros e montanhosos entre os quais outros seres parecem viver.

De acordo com Murakami, Tan Tan Bo – In Communication foi feito em resposta ao Grande Terremoto de Tōhoku e tsunami de 2011, que posteriormente levou ao acidente nuclear de Fukushima. Para muitos artistas neste país, este período serviu como um momento crucial em sua prática, pois forneceu uma “oportunidade para artistas japoneses contemplarem o potencial social e de melhoria da arte”, diz o pesquisador cultural Hiroki Yamamoto, atualmente curador do Pavilhão do Japão na 15ª Bienal de Gwangju. “Como resultado, ao longo da década de 2010, predominantemente jovens artistas japoneses contemporâneos criaram obras que exploram criticamente a história (amplamente esquecida) do imperialismo japonês e da dominação colonial durante a Segunda Guerra Mundial, e o ‘legado’ que essa história gerou no Japão atual.”

Aya Takano, uma das artistas mais reconhecidas no movimento Superflat, observa que antes de Fukushima, suas obras de arte eram “realmente superficiais”. Mas, tendo agora considerado o Japão além de suas cidades, ela cria peças que são “verdadeiramente infinitas e ricas”. Sua pintura de 2015, The Galaxy Inside, que foi destaque em Cute, uma exposição sobre fofura e cultura contemporânea que estava em exposição na Somerset House em Londres no início deste ano, retrata mulheres jovens andróginas de olhos grandes suspensas no espaço entre planetas e criaturas doces parecidas com animais, algumas acorrentadas – mas ainda sorrindo. Suas pinturas, ela diz, exploram a crise climática, considerando um mundo onde humanos e natureza existem pacificamente.

De acordo com a socióloga cultural Dra. Megan Catherine Rose, o kawaii também tem sido utilizado dessa forma por artistas feministas no país. “O kawaii como uma estética de gênero tem sido usado ao longo dos séculos para curar e apresentar os corpos das mulheres como objetos bonitos, de forma semelhante ao tratamento das mulheres na arte tradicional europeia”, diz ela, acrescentando que as feministas japonesas contemporâneas frequentemente usam sua arte para “interrogar a objetificação dos corpos das mulheres”. Rose destaca a artista japonesa Mizuno Junko, radicada nos EUA, explicando que suas “figuras são monstruosamente femininas, projetadas para repelir o olhar masculino cisgênero-heterossexual por meio da repetição, exagero e feminilidades hiperbólicas”.

Vale a pena mencionar que, embora Nara também tenha sido identificado dentro do mundo das pinturas fofas, mas ameaçadoras, o próprio artista não concorda necessariamente com essa associação, cauteloso em ser enquadrado em qualquer cânone ou movimento artístico em particular – Superflat, kawaii ou fofo – embora ele veja por que outros podem associá-lo a estes. “Há pessoas por aí que foram superficialmente influenciadas por minhas pinturas e provavelmente acham que são fofas”, diz ele. “Elas provavelmente não têm desejo de ir para campos de refugiados ou participar de atividades anti-guerra [like I have]. Se me pedissem para desenhar imagens fofas, eu seria capaz de fazê-lo, mas seria completamente diferente do que estou desenhando atualmente.” O que seu trabalho, ao lado de muitos outros, mostra é que a fofura pode ser usada como uma ferramenta para questionar o mundo em que vivemos, incluindo alguns de seus momentos mais sombrios, uma prática que muitos artistas japoneses dominam.