W.¿Qué es el canon de Shakespeare sino el tesoro ideal de IP? La ley de ausentismo requiere que los estudiantes desarrollen al menos cierta familiaridad pasajera Romeo y Julieta, el artefacto más elevado de la cultura pop, incluso considerado de conocimiento universalmente común, y los temas aislados en esos planes de lecciones se pueden mapear fácilmente en los escenarios actuales: las descuidadas pasiones prohibidas de Romeo y Julieta, los enamoramientos no correspondidos de Noche de Reyes, las luchas de poder de Hamlet, Macbeth y Lear. Lo mejor de todo es que, en lo que respecta a los tipos de Hollywood, toda la mitología del código abierto es de dominio público, el punto óptimo del reconocimiento de marca por el que nadie tiene que pagar.
Sin embargo, desde el ocaso de la época dorada del sistema de estudios, no ha habido mucho esfuerzo por realizar superproducciones del más alto nivel fuera de las propias historias, lo más parecido es Justin Kurzel. claramente posterior a Juego de Tronos se enfrenta a Macbeth. (Aunque fue tratada como una importación británica de nicho de mercado, ya que tuvo un desempeño inferior en la taquilla estadounidense). Con la notable excepción del clasicista incondicional Kenneth Branagh, un hombre que ha pasado muchos años bajo la impresión de que fue puesto. En esta Tierra para suceder a Laurence Olivier hasta su rápido giro hacia la franquicia hackdom, la mayoría de los artistas consideran antideportivo tomar al Bardo tan literalmente. Se requiere cierto nivel de compromiso, ya sea un cambio superficial de los puntos de la trama o una revisión más profunda del tono, la estructura y el significado, para responder a la pregunta «¿por qué molestarse?», que a menudo se hace durante muchos siglos. La obligación de revitalizar ha envejecido la tradición artística pasada hasta convertirla en un cliché, sucintamente atrapado en el título de cebolla Un director poco convencional sitúa la obra de Shakespeare en el tiempo y en el lugar previsto por Shakespeare.
Las selecciones reunidas para el Canal Criterion nueva colección de transmisión El pop Shakespeare abarcó una amplia red, de 1979 a 2012, y desde el fiel trasplante del verso original hasta remezclas de arriba a abajo. Todos están unidos, sin embargo, en su serio esfuerzo por encontrar un nuevo ángulo significativo sobre lo trillado que vaya más allá de la mera actualización estética para desbloquear nuevas perspectivas sobre el pasado, el presente y la distancia entre ellos. Si bien muchos de los favoritos de los fanáticos que primero podrían venir a la mente quedaron fuera (no hay escasez de lugares en Internet donde puedes ver 10 cosas que odio de ti), los ocho títulos seleccionados comparten una racha iconoclasta que motiva grandes riesgos de swing. en sus críticas y homenajes al genio del dramaturgo. El visionario del punk queer Derek Jarman, por ejemplo, nunca conoció un emblema de la herencia inglesa que no pudiera importar, y su reimaginación de La tempestad de 1979 «elimina las partes aburridas», como dijo la estrella Toyah Willcox. Solo sentía reverencia por el teatro en sí, metafóricamente acumulando 350 años de producción uno encima del otro con trajes de todas las épocas y otros anacronismos flotantes.
Compare y contraste la experimentación conceptual de Jarman con el enfoque de Paul Mazursky para la misma obra tres años después: Tempest, un título sencillo, remodelado como un drama doméstico actual que se extiende desde Nueva York hasta Atenas con sus compañeros grandes campeones John Cassavetes y Gena Rowlands. pareja central agredida. Roger Ebert encontró que la película no era lo suficientemente transformadora en sí misma. revisión del pulgar hacia abajo («Mazursky no absorbió «La Tempestad» en su «Tempesta»; simplemente la escenificó»), pero convertir la dinámica entre Próspero y Antonio de hermanos a amantes inclina el texto sobre su eje, así como la adición de un elemento carnal. a la servidumbre de Ariel, todos estos celos e intimidades se hicieron más fuertes y puntuales. Sin embargo, para una audiencia moderna, el atractivo principal proviene de un casting que incluye a Molly Ringwald, de 14 años, antes de la fama, y a Susan Sarandon, sexualmente preparada, que se están preparando visiblemente para la córnea distante de The Hunger.
el criterio copia promocional juega el mismo atractivo fundamental para esta tarifa que su temporada de Shakespeare in the Park, viendo al público atraído principalmente por la oportunidad de ver a su actor favorito flexionar sus músculos técnicos y divertirse. (O, como en el ejemplo del sueño adolescente sobrealimentado de Baz Luhrmann, Romeo + Julieta, ver a dos personas sobrenaturalmente hermosas con química volcánica). Este es el mejor discurso para Mucho ruido y pocas nueces de 2012, dirigida por Joss Whedon durante dos semanas. contrato. pausa en la postproducción de Los Vengadores, rodada en su casa con un conjunto de su repertorio más disponible. Entre la incómoda cinematografía digital monocromática y varias actuaciones autosatisfechas y demasiado demostrativas, hay poco aquí para los que no son Whedonitas, pero la atmósfera informal captura la verdad esencial con la que una gran e importante parte del teatro está jugando. amigos
Much Ado tiene rastros de lo que podría llamarse Shakespeare Acting, pero la interpretación de Branagh de Love’s Labour’s Lost prácticamente proporciona una definición; Ya sea por preocupación de que los terrenales de hoy sean demasiado estúpidos para entender o demasiado desatentos para estar atentos, el elenco exagera cada línea hasta una pulgada de sus vidas, de manera más atroz en la comedia de todos los capullos que anuncian los chistes a medida que surgen. Y es una pena, porque el estilo de Luhrmann choca con los inspirados tributos de Branagh a los musicales actuales de Fred Astaire, escrupulosamente recreados en brillantes y relucientes números de canto y baile que reemplazan el diálogo expositivo. A pesar de su puñado de defectos (el más notable de ellos un latigazo más sobrio cuando la Segunda Guerra Mundial desciende sobre nuestros amantes y tontos) todavía hay una cierta simpatía innata en el entusiasmo desenfrenado de Branagh por los viejos que nunca dejaron de ser buenos.
Su fallida obra de nostalgia complementa los mejores cortes del sampler de Criterion, todos los cuales utilizan los marcos trágicos de Shakespeare para ver más allá. La hermosa China Girl de Abel Ferrara traslada a los Montesco a la Pequeña Italia de Manhattan y a los Capuleto a Chinatown, cuya guerra territorial se ve exacerbada por una ciudad que siempre invade sus últimos focos de cultura auténtica. Con Hamlet 2000, Michael Almereyda suda la omnipresente ansiedad tecnológica sobre el año 2000, especialmente la cuestión de dónde deja todo este progreso en el cine; Los monitores de vídeo de circuito cerrado forman una fría y plana sala de espejos, y el príncipe interpretado por Ethan Hawke pronuncia el monólogo existencialmente atormentado «To Be or Not to Be» mientras se adentra en un Blockbuster. Personal, expresivo, subversivo y revelador sobre su fuente, My Own Private Idaho proporciona el ejemplo más instructivo de la adaptación creativa condensada de Henriad de la saga de dos desconocidos en la carretera con trayectorias separadas. Relegando al príncipe Hal de Keanu Reeves a un papel secundario como compañero de su propio compañero, Gus Van Sant provoca matices invisibles en el texto, imbuyéndolo de una nueva pasión, cansancio del mundo y vulnerabilidad.
La triste nota final muestra al extraño ícono de River Phoenix, Mike Waters, recogido por un extraño cuando se desmayó al costado de la carretera, recuperado de la única casa que ha conocido. Hay una inconfundible melancolía en su regreso a la pobreza, pero duerme plácidamente al inicio de su siguiente vuelta alrededor de un bucle eterno. En última instancia, así es también como la escritura resiste la prueba del tiempo: a través de una regeneración y reencarnación interminables, descompuestas e inmortalizadas en el proceso.
